ピアノをホールで練習する意義：妹尾哲巳さん ～ホール空間における演奏・録音の実践的研究と教育的展望～
- STUDIO 407 酒井崇裕
- 3 日前
- 読了時間: 20分
はじめに：ピアニズムにおける「空間」の再定義と本記事の射程
クラシック音楽をはじめとするアコースティック楽器の演奏において、ピアノという楽器は極めて特異な位置を占めています。打鍵という物理的運動によってハンマーを駆動し、張力を持った弦を叩くという発音機構自体は自己完結しているように見えますが、実際に聴衆の耳に届く「真のピアノの音」は、楽器内部だけで完結するものではありません。高度な技術と音楽的ヴィジョンを持つピアニストにとって、ピアノとは単なる発音装置ではなく、それを取り囲む建築的空間（ホール）の空気を振動させ、床面や壁面からの複雑な反射音を伴って初めて成立する「空間との連成系」なのです。
この記事では、卓越した即興演奏能力と独自の音響美学を持ち、近年全日本ピアノコンクールにおいても高い評価を獲得したピアニスト、妹尾哲巳さんの神奈川公会堂におけるホール練習およびその録音セッションについてご紹介します。特異な音響特性を持つホール空間、1990年製のフルコンサートピアノ（ヤマハ CF）、そして極めて解像度が高く位相特性に優れたポータブル録音機材の導入という複数の要素が交差するこの実践的セッションを通じ、ピアノ奏法と空間音響の不可分な関係性について紐解いていきます。
さらに、人為的な編集を完全に排し、演奏者の極限の集中力と空間のリアルタイムな共鳴を「真空パック」として捉える録音哲学の有効性や、これらの実践が現代のピアノ学習者やプロフェッショナルに対してどのような教育的示唆を与えるかについても考察します。
演奏空間の建築音響的特性と楽器の物理的ポテンシャル
ピアノ演奏における音響的フィードバックの質は、楽器そのもののポテンシャルと、それが設置された空間の音響特性に完全に依存します。本セッションの舞台となった神奈川公会堂および常設のヤマハ製フルコンサートピアノは、現代のピアニストが音響的対話を行う上で極めて優れた、そして示唆に富む条件を備えています。
神奈川公会堂の特異な建築音響とピアノ音波伝播メカニズム
神奈川公会堂は、現代の高度に規格化され、多目的用途のために音響が平均化された近代的な公共ホールとは一線を画す、古典的かつ有機的な音響特性を有しています。この空間がピアノ演奏にもたらす利点は、主にその建築的構造と内装材質の相互作用によって生み出されます。
第一に、ホールの平面形状が「扇形（ファンシェイプ）」構造を採用している点が挙げられます。音響工学において、平行な壁面を持つシューボックス型の空間は、特定の周波数帯域で定在波（スタンディングウェーブ）やフラッターエコー（鳴き龍現象）を発生させるリスクを伴います。これに対し、扇形構造はステージ上の音源から客席後方に向かって音が自然に拡散・放射されるよう設計されています。これにより、ピアニストが放ったピアノのアタック成分（トランジェント）が空間内で不要な干渉を起こして濁ることなく、明瞭な輪郭を保ったまま空間全体へと伝播します。
第二に、壁面に採用されている「赤レンガ」の存在です。レンガ素材は、その微細な多孔性と高い質量により、特有の吸音特性と反射特性を示します。高音域の耳障りな成分（ハイフリケンシーの強い指向性を持つ反射）を適度に吸収しつつ、ピアノの基音を支える中低音域の豊かな響きを温かみのあるトーンで反射します。神奈川公会堂のこの赤レンガ壁面は、経年変化も相まって「枯れた」とも表現される、深くリッチな残響特性を生み出しています。この特有の響きは、ピアニストに対して極めて心地よい聴覚的フィードバックを与え、演奏者のインスピレーションを直接的に刺激し、より繊細な音色表現への欲求を引き出すトリガーとなります。
神奈川公会堂では、このフルコンサートピアノを1時間2,000円という極めてアクセスしやすい料金で一般の練習用に開放しています。営利目的のレッスンや観客を入れたコンサートとしての利用は制限されており、純粋に「ホール中に響き渡る音を体感する」ための練習環境として提供されています。この制度が、後述する妹尾さんの飽くなき音響探求の場として機能することとなりました。
ピアノ：1990年製 ヤマハ CFの楽器としての優位性とインターフェース特性
神奈川公会堂に常設されているピアノは、1990年製のヤマハ CF（フルコンサートピアノ）です。この個体が製造された1990年という時代背景は、楽器のポテンシャルを評価する上で極めて重要な意味を持ちます。当時の日本のピアノメーカーは、欧州の伝統的ブランドが支配する世界市場において確固たる地位を築くべく、採算を度外視して最高品質の木材を世界中から厳選し、熟練の職人技術を惜しみなく注ぎ込んでいた「情熱的な時代」でした。
フルコンサートピアノ（全長約275cm）は、広いホールで演奏されることを前提として設計されているため、通常のグランドピアノと比較して奥行きが長く、それに伴い弦（特に低音弦）の長尺化が図られています。音響物理学の観点から見れば、弦が長いことはインハーモニシティ（倍音の非整数次化、すなわち弦の剛性によって高次倍音が理論値よりも高くなる現象）を低減させる効果があります。これにより、極めて純度が高く、和音を弾いた際にも濁りの少ない重厚な低音の響きを獲得することが可能となります。また、広大な面積を持つ響板は、弦の微小な振動を効率的に音響エネルギーへと変換（インピーダンス整合）し、巨大なホール空間全体を震わせる広大なダイナミックレンジを生み出します。
さらに、特筆すべき点は、このCFが「本象牙鍵盤」を備えていることです。プラスチックや人工象牙（アイボライト等）が主流となった現代において、本象牙のタッチ感は代替不可能な特性を持ちます。象牙は微細な多孔質構造を有しており、ピアニストの指先から分泌される汗などの水分を適度に吸収します。これにより、長時間の激しい演奏においても指先の摩擦係数が常に一定に保たれ、滑りによるコントロールの喪失を防ぎます。極限のピアニッシモから強靭なフォルティッシモに至るまで、指先と鍵盤の間に強固な信頼関係が築かれることで、ピアニストはミリ単位の鍵盤の押し込み具合（タッチの深さや打鍵速度の精密な制御）に自身の意識を完全に没入させることができます。この触覚的な同期は、空間との音響的対話を行うための絶対的な前提条件となります。
要素 | 物理的・建築的特性 | 音響的・奏法的影響と意義 |
ホール構造 | 扇形（ファンシェイプ）構造 | 平行壁面によるフラッターエコーの抑制。ステージから客席方向への均一かつ自然な音波の放射と拡散。 |
ホール内装 | 赤レンガ壁面 | 多孔性による高音域の適度な吸音。質量の高さによる中低音域の豊かな反射。経年によるリッチな残響。 |
ピアノ仕様 | 1990年製 YAMAHA CF | 日本メーカーの黄金期における厳選された木材と堅牢な構造。長い低音弦によるインハーモニシティの低減。 |
インターフェース | 本象牙鍵盤 | 吸湿性による適度なグリップ感の維持。摩擦係数の安定による、微細なタッチコントロールと身体的シンクロナイズの実現。 |
神奈川公会堂の利用案内
ピアニスト 妹尾哲巳の音楽的オントロジーと特異なキャリア形成
この極めて優れた音響空間と楽器をドライブする人物が、ピアニストの妹尾哲巳さんです。妹尾さんの音楽的背景と独自の美学を紐解くことは、今回の録音セッションにおける人為的編集を排した「真空パック」という特異なアプローチの根底にある哲学を理解する上で不可欠です。
基礎の徹底と評価の二極化を受け入れる演奏哲学
妹尾さんのピアニストとしての出発点は、一般的な早期英才教育の枠組みとは異なる文脈を持ちます。一般家庭の、特に男子の家にピアノがあること自体が極めて稀であった時代に育ち、本格的な転機が訪れたのは中学校2年生の時でした。高校進学後、恩師である長岡敏夫先生の指導を仰ぎ、さらなる高みを目指しました。ここで妹尾さんの音楽的基盤を決定づけたのは、1年間にわたり叩き込まれた徹底した「基礎」の訓練でした。この時期の厳格かつ肉体的な基礎訓練が、地元の島根大学教育学部特設音楽課程への進学を導き、現在の卓越した身体的コントロール能力の礎となっています。
近年、妹尾さんは全日本ピアノコンクールの一般プロO56の部で最高位を受賞するという確固たる実績を残していますが、その演奏美学は、コンクールにおいて一般的とされる「減点されない安全運転」とは対極に位置します。「コンクールの醍醐味は、審査員によって評価が真っ二つに分かれること」と本人が語る通り、ある審査員からは「いい音」と絶賛される一方で、別の審査員からは「音が汚い」と酷評されるほどの強烈な揺らぎと個性を内包しています。
この評価の二極化は、妹尾さんの演奏が極めて強い「私はこう弾きたい」という意志に貫かれていることの証明に他なりません。ピアノという楽器は、打鍵の速度、重さ、そしてペダリングの複雑な組み合わせによって無限の音色を創出できます。妹尾さんは、一般的な美意識における「整った均質な音」の枠組みを意図的に逸脱し、時に金属的なアタックや、倍音を複雑に衝突させる荒々しい響きをも表現のパレットとして駆使します。ミスを恐れて表現を矮小化するのではなく、極端なダイナミクスと音色変化を許容するからこそ、聴衆や審査員の心を深く揺さぶる独特の音楽性が立ち現れるのです。
即興演奏と「真空パック」の美学の系譜
妹尾さんと私（STUDIO 407）との関係性の原点は、約8年前に福島市音楽堂で行われたアルバム録音セッションに遡ります。このセッションでは、誰もが幼い頃から親しんできた日本の歌をピアノ曲にアレンジし、日本人の心の原風景を描き出すような作品群が録音されました。短い収録時間であったにもかかわらず、2枚の物理CDアルバムと2つのデジタルリリースという豊かな成果を生み出しています。
特筆すべきは、この作品全体が完全に即興演奏（インプロヴィゼーション）によって構築されている点です。さらに、録音されたテイクは一切の編集や切り貼りを行わず、生のまま収録されました。これは、演奏中に生じる極限の集中力、空間の微細な空気の揺らぎ、そして一回性のリアリズムをそのまま「真空パック」としてリスナーに届けるという強烈な美学に基づいています。
現在、妹尾さんは島根県を本拠地としつつも、家庭の事情により一時的に東京に滞在しています。もうすぐ3人目のお孫さんが生まれることが現在の大きな喜びであり、「高齢者ができることといったら、小さな子どもをしっかりかわいがってあげることが一番。孫たちの成長を助けつつ、その傍らでピアノも弾いていけたら幸せ」と語っています。お孫さんと初めて山手線に乗った日を喜ぶような、ご自身曰くの「隠居生活」の穏やかな日常を送りながらも、その傍らで神奈川公会堂のホール練習枠を発見し、定期的に通い詰める姿勢には、自身の音楽的・音響的探求を決して止めない芸術家としての業が色濃く表れています。SNSでその練習風景を発見した私が、機材を携えて徒歩7〜8分の距離にある公会堂へと駆けつけたのも、この「生の瞬間を切り取る」という共通の哲学が根底にあったためです。
空間の真実を捕捉する録音哲学と技術的インフラストラクチャー
妹尾さんが神奈川公会堂で生み出す巨大な音響エネルギーと、本象牙鍵盤から紡ぎ出される微細なニュアンスのグラデーションを余すところなく捉えるためには、録音機材の選定とセッティングにおいて一切の妥協を排する必要がありました。本セッションでは、機材の物理的なサイズや威圧感を最小限に抑えつつ、最高峰のオーディオフィデリティ（音響忠実度）を確保する「ワンマイク（ステレオペアに依存しない単一筐体のマイク）」の極めてコンパクトな構成を選択しました。このミニマリズムは、演奏者の心理的障壁を取り除き、日常の練習の延長線上にあるリラックスした状態での演奏を引き出すための重要なアプローチです。
Ehrlund EHR-T：トランジェントと位相の完全なる捕捉
マイクロフォンには、スウェーデンのEhrlund（アーランド）社が製造するデュアルコンデンサーマイク「EHR-T」を採用しました。EHR-Tは、従来のコンデンサーマイクが採用する円形ダイアフラムとは根本的に異なる、特許取得済みの「三角形ダイアフラム（Dual Triangular Membrane）」を採用しています。
円形のダイアフラムは構造上、特定の周波数で膜自体が共振（スタンディングウェーブ）を起こしやすいという物理的弱点を持っています。対して、Ehrlund社の三角形メンブレンは、表面での自己共振を物理的に分散させる効果があり、これによりトランジェント（音の立ち上がり）に対する反応速度が劇的に向上しています。7Hzから87,000Hzという人間の可聴域を遥かに超える超広帯域の周波数特性を持ち、深い低音から極めて自然に伸びた高音域までをカバーします。また、等価雑音レベルは7dBA未満と極めて静粛性が高く、感度も非常に優れています。115dBのダイナミックレンジを誇り、最大SPLは122dBに達するため、フルコンサートピアノのような急激なアタックと強大な音圧を持つ楽器の収録においても、クリッピングの危険を回避しつつ、静寂の中の微小なアンビエンスまでも正確に拾い上げます。航空機グレードのアルミニウムボディで保護された筐体は、345gという軽量さの中に堅牢性を備えています。
EHR-Tのもう一つの、そして本セッションにおける最大の技術的優位性は、フロント（前側）とリア（後側）のダイアフラムから、それぞれ完全に独立した2つのチャンネルとして音声信号を出力できる点です。これにより、前方の「ピアノの直接音と響板からの輻射音」と、後方から迫る「ホールの豊かな残響音（扇形構造と赤レンガ壁面からの反射音）」を個別のトラックとして収録し、後処理（ミックス時）においてそのバランスを極めて自然に調整することが可能となります。複数本のマイクを異なる位置に立てた際に生じるコムフィルター効果や位相のズレを完全に排除し、単一ポイントからの位相干渉のない球面的な音響パースペクティブを構築できることは、「真のピアノ音」と「空間の響き」の最適なバランスを探求する上で計り知れないアドバンテージとなります。
Ehrlund EHR-T 核心的スペック | 詳細仕様および特性 | 音響的利点 |
指向性・出力 | 単一指向性、超単一指向性、双指向性、無指向性にミキシング可能。フロント/リア独立2ch出力 | 直接音とホール残響音の完全な位相同期収録。ポストプロダクションでの自由なアンビエンス調整。 |
周波数特性 | 7 – 87,000 Hz | 可聴域外の超高周波成分まで捕捉し、ピアノ特有の空気感や倍音の煌めきを収録。 |
ダイナミックレンジ | 115 dB / 最大SPL 122 dB (1% THD) | フルコンの強靭なフォルティッシモでもクリッピングしない耐音圧性能。 |
ノイズ性能 | 等価雑音レベル < 7 dBA / S/N比 87 dBA | 静寂の中の微小な残響のテール（減衰音）をノイズに埋もれさせることなく記録。 |
構造・材質 | 特許取得済三角形ダイアフラム / 航空機グレードアルミニウム、重量345g | ダイアフラムの自己共振を排除し、トランジェント応答速度を極限まで高める。 |
SONOSAX SX-M2D2：究極のシグナルチェインとデジタル変換の直結
EHR-Tによって電気信号に変換された極めてピュアで微細なオーディオデータは、スイス・SONOSAX社が誇るウルトラポータブル・デュアルドメイン・プリアンプ「SX-M2D2」へと入力されます。
クラシック音楽の録音、特にアコースティック楽器のソロ録音の世界において、マイクプリアンプの質は録音の成否を決定づける命綱です。SX-M2D2は、スマートフォン程度のサイズ、わずか336gという手の中に収まる重量でありながら、アナログ入力において135dBという驚異的なダイナミックレンジと、THD（全高調波歪み率）0.001%未満という究極の透明度を実現しています。これは、EHR-Tから送られてくる高出力かつ純度の高い信号に対して、色付けや電子的なノイズを一切付加することなく、必要なゲインだけを極めて正確に与えることができることを意味します。
さらに、M2D2の革新性は、単なるアナログプリアンプに留まらず、最高品質のアナログ・デジタルコンバーター（ADC）およびデジタル・アナログコンバーター（DAC）、さらにはデジタル入出力を内蔵している点にあります。増幅されたアナログ信号は、M2D2の内部で直ちにデジタル領域へ変換され、直接スマートフォン（iPhone）内の録音アプリケーションへとデジタル出力されます。
この「マイク → M2D2内蔵ADC → iPhone」という極限まで短縮されたシグナルチェインは、アナログケーブルの長距離引き回しによる高域の減衰や電磁ノイズの混入、複数のアウトボード機材を経由することによる情報のロスを完全に根絶します。電源供給に関しても、交換可能なリチウムイオンバッテリーを内蔵し、約4.5時間の連続駆動が可能であるため、ホール内の電源コンセントの位置に縛られることなく、最適な音響ポイントに機材を自由に配置できます。
SONOSAX SX-M2D2 核心的スペック | 詳細仕様および特性 | 録音における役割と利点 |
オーディオ性能 | ダイナミックレンジ 135 dB (A-weighted) / THD <0.001% | マイクからの微小信号から大音量まで、色付けや歪みなく増幅する究極の透明度。 |
入出力インターフェース | TA-3M バランス入力×2 / AES3・AES42入出力 / USB 2.0オーディオ | アナログからデジタルへの超高精度変換と、iPhoneへのロスレス・ダイレクトルーティング。 |
電源とポータビリティ | Li-ionバッテリー (約4.5時間駆動)。重量 336g | ケーブルレスの自由なマイキング。巨大な機材による演奏者への心理的圧迫の排除。 |
ホール空間における音響的フィードバックと身体的アジャストメントの力学
この記事でお伝えしたい核心的なテーマは、ピアノという楽器を「空間との連成系」として捉え直し、ホールで響きを感じながら練習することの深い物理的・音楽的意義を解明することにあります。妹尾さんが強く主張するように、ピアノはそれ単体で独立した発音装置ではありません。ピアノの音は、複雑な物理的プロセスと空間的なフィードバックループを経て、初めて「真のピアノ音」として完成するのです。
音波の物理的伝播と「空間の励起」のメカニズム
ピアニストの指が鍵盤を押し込み、ハンマーが弦を打つ瞬間、弦に発生した振動エネルギーは駒（ブリッジ）を通じて巨大な響板へと伝達されます。ここまでは、楽器内部の閉じた系の出来事です。しかし、真に響き豊かなフルコンサートピアノの場合、その巨大なエネルギーは響板から楽器の堅牢な筐体全体へ、さらには3本の太い脚部を下り、キャスターを通じてステージの床面へと伝播していきます。
ステージ床面を伝わった振動（固体音）はホールの躯体全体を震わせ、そこから客席、壁面、天井へとエネルギーが放射されていきます。同時に、響板から空気中へ放射された音波（放射音）は空間を飛び交い、複雑な反射を繰り返します。すなわち、ホール全体がピアノという楽器の「第二の巨大な共鳴胴」として機能します。この空間全体の空気が励起された状態となって初めて、私たちが認識する「コンサートグランドの豊かな音響」が成立します。妹尾さんのような高次元のピアニストは、音をただ耳で「聴く」だけでなく、ペダルを踏む足の裏や、椅子に座る臀部を通じて、ステージ床面から返ってくる巨大な低周波の振動をリアルタイムかつ全身体的に「体感」しているのです。
リアルタイム・モニタリングと身体的タッチ・ペダリングの補正
クラシック音楽、とりわけ空間の残響を前提として和声が構成された作品群においては、ピアニストはホールのフィードバックをリアルタイムにモニタリングし、己の身体的アクションを瞬時に補正し続けなければなりません。ホールにおける音波は、直接音がピアニストの耳に届いた後、ミリ秒単位の遅れを伴って初期反射音が到来し、その後、複雑な残響となって減衰していきます。この残響の減衰カーブや周波数特性を聴き取りながら、ピアニストは以下のような高度な身体的アジャストメントを行っています。
タッチの深度と打鍵速度のコントロール
空間が十分に音を拡散し、豊かに響かせてくれる環境（神奈川公会堂の赤レンガ壁面のような優れたホール）においては、ピアニストは無理な力で鍵盤を叩きつける必要がありません。楽器の「鳴り」を空間に委ねることができるため、結果として腕や肩の不必要な力みが抜け、指先の微細な神経感覚を音色のコントロールのみに集中させることができます。妹尾さんの言う「私はこう弾きたい」という意志を伝えるための多彩なパレットは、空間の支えがあって初めて十全に機能します。
アーティキュレーションとテンポの微細な伸縮（アゴーギク）
残響が長い空間では、速いパッセージを楽譜通りのインテンポで弾き切ると、前の音が減衰する前に次の音が重なり、和声が濁ってマスキング現象を引き起こします。ハイレベルなピアニストは、ホールの響きの長さを正確に測り取り、フレーズ間の「間（ま）」をコンマ数秒単位で引き延ばしたり、スタッカートの離鍵（リリース）のスピードを鋭くしたりすることで、空間内で音が最も美しく分離しつつ繋がるポイントを探り当てるのです。
ペダリングのミリ単位の閾値制御
ダンパーペダル（右ペダル）の操作は、空間との対話において最も決定的な役割を果たします。ホール練習において、ピアニストはペダルを完全に底まで踏み込むことよりも、ハーフペダルやクォーターペダル、あるいは徐々にペダルを上げていくといった極めて精緻な足首のコントロールを要求されます。これは、空間に残存している倍音のクラスターと、次に打鍵される新しい和音が衝突しないよう、ダンパーフェルトが弦に触れるか触れないかの限界の閾値で弦の解放と制動を繰り返すためです。このミリ単位の作業は、ホールの実際の残響成分を自らの耳で正確にモニタリングできて初めて成立する技術です。
小規模な練習室の弊害と「想像上の音響」の限界
このホールにおける音響的フィードバックの重要性を逆説的に証明するのが、一般的な小規模練習室や家庭の防音室における環境の限界です。狭く、分厚い吸音材で囲まれた無響的な空間では、先述した「第二の共鳴胴」としての空間の励起が起こりません。発せられた響きは瞬時に壁面に吸い取られ、ピアニストは自身の出している音の真の姿（客席という離れた距離でどのように和声がブレンドされているか）を物理的にモニターすることが不可能となります。
その結果、ピアニストは響きの不足を無意識のうちに補おうとして、過剰な力で打鍵を繰り返す「オーバードライブ」の傾向に陥りやすくなります。また、響きを少しでも長く保とうとするあまり、ペダルを深く踏み込みすぎてしまい、結果として音が濁る悪癖が定着する危険性があります。小さな部屋の中で「大きなホールで響いている状態」を頭の中でただ想像しながら練習し続けることには、多大な心理的ストレスと身体的負荷が伴い、最終的には実際のホールでの演奏時に致命的な感覚のズレを引き起こします。
妹尾さんが、わざわざ神奈川公会堂のホールに足を運び、本物の響きの中で練習を重ねている理由はまさにここにあります。音波がステージから客席へ向かい、赤レンガの壁面を伝い、再び自身の耳へと還ってくる。このリアルワールドでの物理的な反響を全身に浴び、それを自身の肉体と直結させてタッチやペダリング、音色のパレットに昇華していくプロセスこそが、ピアニストにとって真の意味での「練習」なのです。
今後の展開について
本記事では、妹尾哲巳さんの神奈川公会堂における実践的セッションを通じ、ピアノという楽器がホール空間と不可分な関係にあること、そして高次元のピアニストがいかにして空間からのフィードバックを自身の技術へと還元しているかをご紹介しました。また、極めて高水準かつポータブルな録音機材の導入が、この「空間と演奏者の対話」のリアリティを一切損なうことなく、生々しい「真空パック」として捕捉できることを実証しました。
ピアニズムの真髄は、楽譜に記された音符の機械的な再生ではなく、その瞬間に立ち現れる「空間の響き」に対する即興的な応答性の中に宿っています。コンクールにおける賛否両論の評価を恐れることなく、自らの明確な意志を音色として空間に放ち続ける妹尾さんのアプローチは、その事実を力強く体現しています。
今後の展開として、本プロジェクトは単なる練習風景の記録に留まるものではありません。空間音響の重要性、ホール空間特有のペダリング技術、空間の響きを味方につけるためのタッチの感覚など、トップクラスのピアニストだけが経験的に体得している暗黙知を体系的に言語化・映像化し、教育的資料としてアーカイブ化していく予定です。これにより、ピアノ学習者やプロフェッショナルに向けて、日常の練習環境の限界を突破するための価値ある知見を発信していきたいと考えています。
演奏者自身の卓越した技術、良質な楽器、特異な音響特性を持った空間、そして最先端の録音技術。これらが四位一体となって結実する本プロジェクトは、ピアノ演奏という芸術への理解をさらに一段深い次元へと導くものです。今後公開される演奏動画や練習風景、神奈川公会堂の紹介ビデオなどを通じて、この深遠な音響空間世界をぜひ視覚的・聴覚的に追体験してみてください。
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